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Saúde e Bem Estar no Processo Criativo de Produção Musical Moderna

Atualizado: 28 de out. de 2021

Esta pesquisa acadêmica faz parte do mestrado na Universidade de Westminster por Matheus Meireles.




Abstrato


O processo de criação musical continua em constante transformação, gerando discussões acaloradas sobre o assunto com frequência. As características da indústria da música superficialmente parecem ser compreendidas pelo conhecimento comum, e ainda assim nem todo profissional realmente entende como o sistema funciona em profundidade, causando enormes preconceitos (Walzer, 2017). Esta pesquisa argumenta contra mentalidades contraproducentes e mostra que poderia haver uma conexão entre artistas, loucura e problemas sociais, onde os músicos são frequentemente vistos como marginais. Este artigo explora as causas e as conseqüências prejudiciais que isso pode ter em indivíduos criativos, as razões por trás dessa cultura e como o bem-estar físico e psicológico afeta o fluxo de trabalho em ambientes como estúdios de gravação. Em resultado, existem algumas ideias e soluções que a sociedade deve considerar, proporcionando um caminho mais sólido que possa trazer luz a esse cenário e continuar apoiando esses indivíduos com melhores orientações, profissionais de saúde e conhecimento.



Introdução


A saúde física e mental pode ser um fator crucial no ambiente de trabalho. O objetivo desta tese é observar e elaborar a extensão disto no processo de produção musical e na indústria na perspectiva de que uma das definições “contemporâneas mais discutidas de saúde da Organização Mundial de Saúde (OMS) a revela como 'um estado' de completo bem-estar físico, mental e social e não apenas a ausência de doença ou enfermidade. "(MacDonald, Kreutz e Mitchell, 2012, p5). Estatísticas e pesquisas anteriores demonstram um alto nível de insegurança para aqueles que entram no mundo da música profissional (Help Musicians UK, 2014). Para os produtores musicais especificamente, pode ser ainda mais complexo, uma vez que atualmente o conceito de "produtor" é difícil de categorizar (Pras, 2011).


Uma entrevista foi conduzida com a pesquisadora-líder em saúde de músicos Sally Anne-Gross. Informações e comentários foram generados de um questionário de 14 perguntas com 14 estudantes de produção de áudio da Universidade de Westminster sobre fluxo de trabalho e bem-estar no campo de produção musical (documento completo no apêndice). Esta pesquisa revela uma alta incidência de distúrbios psicológicos ao longo de várias áreas entre os produtores musicais. Ao entender a relação entre a indústria da música, o processo criativo e a saúde, pode ser possível reduzir a vulnerabilidade psicológica e social do chamado produtor de música moderna e melhorar sua qualidade de vida, meio ambiente e produtividade. Antes de analisar a saúde e o bem-estar nesses contextos, precisamos entender completamente os conceitos e as realidades da "indústria da música", "produtor musical", "fluxo de trabalho" e "processo criativo" nos dias de hoje.



Indústria Musical e Produtor Moderno


É importante para nós entendermos a relação do negócio da música e seus profissionais para poder definir que tipo de pressão ou comportamento pode levar a problemas médicos generalizados.


Na pesquisa de Hracs, ele explica que, durante a década de 1990, grandes gravadoras controlavam o setor, e os artistas dependiam delas para serviços jurídicos, editoração, engenharia de som, gerenciamento e segurança no trabalho. No entanto, havia uma falta de autonomia criativa, onde as grandes empresas geralmente tinham a palavra final sobre os conceitos do álbum, por exemplo. Nos anos 2000, a indústria começou a mudar com a “crise do MP3”, internet e Napster (2012). “… De fato, as grandes gravadoras reduziram o nível e a abrangência dos serviços e suporte que ofereciam aos artistas de gravação… Embora a produção independente tenha existido como alternativa de nicho às grandes gravadoras por mais de 30 anos, ela está tomando novas formas no mercado no período contemporâneo” (Hracs, 2012, p. 11-13).


A evolução da tecnologia digital tornou a produção musical independente e a publicação viável para quase todas as pessoas com um computador, no entanto, a estrutura dessa nova realidade pode ainda ser pouco compreendida. Os artistas estão se tornando produtores e empreendedores, com uma redistribuição de tempo e energia necessária para alocar cada tarefa, exigindo nova gama de habilidades dinâmicas para o sucesso em um cenário cheio de competição (HRACs, 2012). Como surpresa para alguns, “… o número de empresas da indústria criativa aumentou… onde, como resultado de fusões, aquisições e terceirização, o emprego geral diminuiu. Isso pode pressagiar uma segunda onda de ajuste estrutural ... ”(Evans, 2009, p14). A imagem que se segue registra uma enorme disparidade de setores por receita e número de empregos, levantando a questão de como as condições precárias de pagamento e trabalho poderiam estar neste novo cenário:



As indústrias criativas têm suas peculiaridades: a demanda é incerta, os trabalhadores podem ser muito apaixonados, têm produtos duráveis e vendas duráveis, mas nas grandes cidades as políticas regionais recentes estão pressionando para um modelo de indústria de serviços sem um forte elemento criativo, fazendo a cadeia de valor avançar para a distribuição e não para o conteúdo. Alternativamente, colaboração internacional e alcance estão moldando novas empresas para pensar globalmente e por si mesmas (Cunningham, 2002), mas considerando a frágil realidade do mercado “... essas iniciativas de desenvolvimento econômico onipresentes dependem fortemente da fé cega nas perspectivas de crescimento da economia criativa e do conhecimento em seu papel de catalisadores de regeneração e inovação ”(Evans, 2009, p. 27-28).


O produtor musical é um profissional "multi-qualificado". Ele ou ela deve negociar entre rótulos, estúdios, músicos e público. Por isso, é preciso entender a psicologia da performance, tempo e gestão de pessoas (Pras e Guastavino, 2011). Isso afeta diretamente a saúde mental e social de um indivíduo, e Walzer observou: “Medir os vários papéis de músicos, produtores, engenheiros de som e executivos administrativos envolvidos na produção musical é um procedimento complicado que deve considerar as tensões existentes e as dinâmicas entre pessoal. A colaboração compartilhada é uma necessidade, por vezes, em que o grupo coletivo demonstra liderança para a conclusão do projeto; no entanto, nem todos os resultados do projeto são aceitos por unanimidade… ”(2017, p10). Para compreender esse novo tipo de profissional, pedimos em nossa pesquisa aos 14 estudantes de produção de áudio para conferir seus papéis profissionais, e com esses dados produzimos o gráfico abaixo, que mostra quantas tarefas diferentes os produtores de música moderna realizam hoje, mesmo em diferentes campos como cinema e fotografia:



Como resultado, para os fins desta pesquisa, definimos e nos referimos ao produtor musical moderno como o indivíduo que é mais frequentemente um artista, músico e empreendedor ao mesmo tempo. Esses “músicos independentes enfrentam uma dicotomia entre liberdade e risco que os obriga a negociar novas oportunidades e incertezas na indústria da música digital” (Hracs, 2012, p.2). Com essa nova realidade de múltiplas responsabilidades, “... enquanto os artistas encontram consolo na produção da música, as condições de trabalho de forjar uma carreira musical são traumáticas” (Gross e Musgrave, 2016, p12). Finalmente, relacionando isso com as consequências para a saúde, “A indústria contribuiu para altos níveis de ansiedade e depressão, dada a natureza precária do trabalho, a incapacidade de planejar seu tempo / futuro, a natureza, o trabalho autônomo e as horas anti-sociais. , exaustão e, fundamentalmente, baixa ou muitas vezes zero remuneração ”(Gross e Musgrave, 2016, p13).



Workflow e Processo Criativo


O fluxo de trabalho na indústria da música pode ser frequentemente associado ao processo criativo porque não é algo mecânico e não segue necessariamente um conjunto de regras. De fato, “O conceito de fluxo de trabalho evoluiu da noção de processo na manufatura e no escritório” (Georgakopoulos, Hornick e Sheth, 1995, p1). “Definimos um fluxo de trabalho como uma coleção de tarefas organizadas para realizar algum processo de negócios ... Uma tarefa pode ser executada por um ou mais sistemas de software, um ou uma equipe de humanos ou uma combinação deles” (Georgakopoulos, Hornick e Sheth, 1995). p5).


Linder afirma que, primeiro compreendendo melhor o processo criativo e suas implicações, podemos melhorar a qualidade de vida e o fluxo de trabalho dos artistas (2016). Isso poderia ser aplicado de forma abrangente no contexto da indústria da música. Para entender a relação entre arte e ambiente, a criatividade pode ser “... vista como o produto da interação de múltiplas variáveis contribuintes, incluindo os processos cognitivos, emocionais, motivacionais e comportamentais do indivíduo criativo, e como essas variáveis intrapessoais complementam a contexto social e cultural em que a pessoa criativa trabalha ”(Mace, 1998, p. 7). Em outras palavras, para alcançar efetivamente um bom produto, em uma mentalidade saudável no local de trabalho, o trabalhador precisa dominar seu workflow, considerando os outros trabalhadores ao seu redor e suas influências. Para nosso assunto especificamente, Pras e Guastavino confirmam que “O papel dos produtores de discos é também trazer ideias criativas respeitando as referências socioculturais da música” (2011, p5).


O domínio pessoal do processo criativo, levando a um posicionamento mais calmo e confiante, exige um processo de aprendizagem complexo. “Com o passar do tempo, o artista constrói uma extensa base de conhecimento sobre sua empresa particular de criação de arte. Essa base de conhecimento inclui compreensão explícita e implícita de técnicas, habilidades, gênero de arte, teoria da arte, estética, interesses artísticos, emoções, valores, teorias pessoais, interesses e experiências pessoais, trabalhos anteriores e conhecimento de arte histórica e contemporânea ”(Mace, 1998, p107).


Mace também sugere que ser autônomo, identificar-se com a profissão desde cedo, inspiração, ser capaz de experimentar, assumir riscos intelectuais, confrontar hostilidade, paixão e comprometimento podem ser um fator crucial na personalidade criativa que contribui para o sucesso contínuo e perseverança na profissão na face da pressão, dividindo o processo de criação de arte da seguinte forma: concepção do trabalho de arte, desenvolvimento de idéias, fazendo a obra de arte, terminando a obra de arte (1998). Podemos relacionar isso a outro ponto de vista, onde os produtores tradicionais geralmente classificariam o processo de fluxo de trabalho em pré-produção, produção e pós-produção (Walzer, 2017). “Para o leigo, a idéia de 'tecnologia musical' já conjurou uma imagem mental do pessoal de engenharia de áudio operando equipamentos complexos em impressionantes estúdios de gravação, trabalhando em uma cadeia de produção fordista incluindo equipe técnica, produtores, artistas, arranjadores de música e gravadoras. e gerentes de Repertório (A & R). No século XXI, no entanto, esse fluxo de trabalho é cada vez mais atribuído a músicos que criam com sistemas digitais portáteis, estúdios de gravação domésticos e redes independentes” (Draper, 2008, p2). Na pirâmide abaixo, de um artigo de website sobre produção musical, podemos ver a cadeia de trabalho moderno ao qual a maioria dos produtores se referiria ao criar música:


(Production Pyramid, Matla, 2015)


Apesar de não sermos todos iguais, analisar nosso comportamento e o que acontece dentro de nosso cérebro ao compor, gravar ou misturar, nos dá um vislumbre dos motivos por trás dos hábitos cotidianos no ambiente profissional que podem levar a problemas e transtornos psicológicos. Por exemplo, os bloqueios criativos podem ser consequência do estado mental e das relações de trabalho, afetando diretamente o fluxo de trabalho. Em nossa pesquisa anônima, quando perguntamos aos indivíduos a situação de quando eles têm bloqueios criativos, eles relataram: "Eu me sinto mais criativo quando não estou sob pressão" e "Quando estou triste ou estressado".


Também é importante elucidar os profissionais de que ter a confiança e a preparação do fluxo de trabalho podem impedir-se de estar nessas situações. A fase de inspiração, por exemplo, é muito importante e não apenas desenvolver as habilidades técnicas da ideia. Os produtores despreparados e novatos podem experimentar mais frustrações nos resultados. Pras e Guastavino notaram que “... a maioria dos entrevistados não relatou estratégias específicas de preparação de estúdio, embora tenha mencionado que as sessões de gravação eram mais cansativas e difíceis de lidar” (2011, p16). Gooderson aponta para o fato de que produtores mais experientes gastam cerca de 14% do tempo desenvolvendo a ideia inicial e distribuindo bem o tempo em todas as outras etapas do processo criativo, muitas vezes mudando de direção e abordagem, enquanto produtores menos experientes gastam apenas 2% do tempo na parte de inspiração e 66% apenas melhorando o trabalho (2015).


A razão para o estudo da abrangência relacionando o fluxo de trabalho ao bem-estar é que no processo criativo “A identificação do problema começa quando o artista experimenta um conflito conceitual, perceptivo ou emocional” (Mace, 1998, p. 168). Os artistas em geral são vulneráveis a colocar suas experiências e conflitos pessoais no processo criativo e mostrá-lo ao mundo, o que pode encorajar ou desencorajar o produtor (Mace, 1998). Assim, o feedback sobre os resultados e os hábitos diários de fluxo de trabalho na criação de música poderia influenciar a doença mental e os problemas sociais nos profissionais da indústria criativa em uma escala maior que podemos imaginar.



Saúde e Bem-estar em Ambientes de Áudio


Agora que entendemos e consideramos tudo o que envolve o produtor, como a indústria da música e o processo de fluxo de trabalho explorados anteriormente, podemos observar com mais objetividade os problemas de saúde nesse cenário.


O principal ponto a ser observado, fisicamente, é o cuidado do ouvido, sendo a principal ferramenta do mixador e do engenheiro de masterização, pois “… todos os profissionais e autores concordam que um produtor de discos deve ter “bons ouvidos”” (Pras e Guastavino , 2011, p4). Na pesquisa realizada com os estudantes de produção de áudio, apenas 3 dos 14 indivíduos admitiram saber em que nível médio costumam monitorar o áudio em estúdio (85dB NPS), que é de fato o nível recomendado pela maioria dos profissionais, porém considere que os outros 80% provavelmente estarão trabalhando com níveis destrutíveis. Outro dado mostra que apenas 5 dos 14 realizaram uma audiometria em vida. Os outros 9 poderiam ser comparados a um atleta que nunca fez um eletrocardiograma, por exemplo. Isso demonstra a falta de cuidado e seriedade necessária para manter o bem-estar e a produtividade dentro do estúdio. Outros problemas físicos comuns relatados são má postura, problemas de visão e lesões por esforço repetitivo (tendinite), por estar sentado o dia todo olhando para telas e mover um mouse de computador, bem como problemas de sono e fadiga causados por horas estressantes e irregulares de trabalho (Help Musicians UK, 2014 ). Há também relatos de problemas com drogas em ambientes musicais, influenciados por uma história de astros do rock e artistas de sucesso que assumem publicamente o uso abusivo de narcóticos (Bellis et al., 2012). E isso é frequentemente encorajado, onde produtores independentes de hip-hop, por exemplo, são afetados por videoclipes e letras retratando o uso de drogas em estúdios e ambientes criativos como algo sempre positivo (Q, 2014).


De fato, a característica auto-destrutiva pode ser usual, onde “A retórica romântica do músico torturado está embutida na história ocidental da música popular, desde compositores clássicos incluindo Schumann, Mahler e Rachmaninov até o mito duradouro de estrelas do rock trágico, como como Janis Joplin, Kurt Cobain e Hendrix ”(Gross e Musgrave, 2016, p7). De fato, existem indicativos de altas taxas de suicídio entre os artistas da indústria da música, especialmente os bem-sucedidos (Bellis et al., 2012). “Julie Burstein, a produtora de rádio ganhadora do Prêmio Peabody, palestrante do TED e autora de best-sellers da Spark: How Creativity Works, falou sobre o duende, o elusivo elemento da criatividade. Duende é uma palavra espanhola intraduzível, que significa uma combinação de fantasma, espírito maligno, inspiração, música e fogo. Duende é a paixão profunda que nos inspira e nos guia. Como escreveu o poeta Federico García Lorca, “o duende ama o precipício, a ferida e se aproxima de lugares onde as formas se fundem em um anseio além da expressão visível” (Ehrlich, 2015, p12). Isso pode indicar que os artistas confiam em experiências ruins como combustível motivacional e como uma forma de se expressar, muitas vezes pensando nisso até como algum tipo de necessidade.


Isso cria regularmente uma crise de identidade que é vista como normal para os artistas porque “Para muitos jovens, a música é a chave para se orientar em suas vidas e seus gostos musicais são frequentemente empregados como um 'distintivo de identidade' ou maneira de sinalizar para o mundo os principais aspectos de sua personalidade...” (MacDonald, Kreutz e Mitchell, 2012, p5). Walzer sugere que a tecnologia nova e em rápida evolução fornece uma maneira fácil de mudar constantemente a identidade, potencializando o problema, enquanto na indústria fonográfica tradicional era muito importante para o sucesso de vendas manter a mesma identidade ao longo de uma carreira artística (2017).


Em nossa pesquisa realizada com os estudantes da Universidade de Westminster, 10 dos 14 participantes se sentiram pressionados socialmente, e 9 de 14 não se sentem bem sucedidos, não atingiram seus objetivos e se decepcionaram com isso. Se os artistas podem ter um complexo de não cumprir um sonho de infância de se tornar uma estrela pop, isso pode ser ainda mais difícil para os produtores porque eles estão sempre em segundo plano, servindo como uma ponte para a criatividade do artista, não obtendo tanto reconhecimento. Entrevistas na pesquisa de Gross e Musgrave sugerem que os músicos acham difícil se avaliar dentro da sociedade, da indústria e do público, bem como definir o que é sucesso (2017). Além disso, na pesquisa da Gross, que incluiu 2.211 músicos profissionais que se identificaram, trabalhando em uma ampla faixa da indústria musical britânica, descobriu-se que:

• 71,1% dos entrevistados acreditam ter sofrido incidências de ansiedade e ataques de pânico

• 68,5% dos entrevistados apresentaram incidências de depressão

• 52,7% acharam difícil conseguir ajuda


Os dados do Office for National Statistics (2010-13) indicaram que quase 1 em 5 da população sofre de ansiedade e / ou depressão (com 16 anos ou mais). Esta pesquisa sugere que os músicos podem ter até três vezes mais chances de sofrer de depressão em comparação com o público em geral ”(Gross e Musgrave, 2016, p5).


Em um estudo anterior da Help Musicians UK, descobriu-se que “A maior preocupação expressa foi a jornada de trabalho anti-social (84%). Com performances que geralmente acontecem à noite, frequentemente envolvendo viagens fora de casa e um estilo de vida amplamente freelance, elas podem impactar significativamente na saúde e no bem-estar de um músico ... Problemas com dinheiro (82%) e insegurança no trabalho (79%) são as principais preocupações… ” 2014, p2). A imagem abaixo mostra em profundidade mais dados deste artigo específico, que foi feito com informações de 552 músicos profissionais:




Outro relatório poderia apontar questões de gênero e idade na indústria, indicando uma possível predominância de homens mais velhos. “Músicistas mulheres e músicos mais jovens (<30 anos) relataram ansiedade de traço significativamente maior, ansiedade de performance musical, ansiedade social e outras formas de ansiedade e depressão do que músicos masculinos e mais velhos (> 51 anos)” (Ackermann et al., 2017, p40). Estes são todos problemas que poderiam voltar para as condições de trabalho da indústria e incertezas, bem como os resultados da criatividade como causas. “Muitos dos entrevistados se descreveram como altamente autocríticos e reflexivos por natureza. No entanto, todos eles identificaram que vivem em um estado de feedback constante, em que o nível de comentários e críticas é vivenciado de forma esmagadora e exaustiva. Eles falam de comentários de outros músicos, comentários nas mídias sociais, posts no Facebook e de suas vidas sendo dominados por essa atmosfera de feedback, tentando entrar nele, enquanto simultaneamente tentavam escapar dele ”(Gross e Musgrave, 2017, p19). ).


As colaborações são muito usuais no ambiente da música e “o esforço coletivo tem um grande impacto sobre como a música independente é produzida. Aqueles músicos que estão dispostos a compartilhar suas performances íntimas uns com os outros compartilham uma conexão profunda para o cumprimento de um objetivo artístico comum ”(Walzer, 2017, p15). Pelo contrário, os produtores independentes poderiam estar sofrendo com a solidão e com a falta de engajamento social, sendo os profissionais que passam o maior número de longas horas sozinho em estúdio misturando e masterizando faixas ou trabalhando sozinhos no quarto.


Para os estrangeiros, tudo isso pode ser muito estranho, porque ao mesmo tempo a música pode ser vista como algo divertido e, de fato, “Pesquisas mostram que a música pode promover reabilitação física, controlar o estresse, melhorar a comunicação, melhorar a memória, aliviar a dor e ajudar expressar sentimentos ”(Hagan, 2015, p. 1). Mesmo na musicoterapia, uma das “atividades em que os pacientes se envolvem são cantar / tocar improvisadamente, ouvir música, compor músicas / escrever letras e executar peças pré-compostas” (Ben-Eliyahu, sem data, p3). No entanto, para os produtores, eles não estão apenas ouvindo música, essa pesquisa mostrou anteriormente que eles podem estar realmente criando música em um ambiente profissional competitivo e problemático. DeNora nos diz que não é a própria música que alcança o resultado de recuperação, relaxamento ou “auto-conexão”, mas o aprendizado informativo de como usar a música apropriada (2007). Perspectiva de abordagem e mentalidade são chaves aqui. Estilo de vida e hábitos criativos podem ser pontos de mudança. Uma pequena anedota traduz (e traz outras perguntas): “Adolphe, que também é um estudioso da música, explicou como era vital a importância do tocar violino para Einstein, melhorando sua cognição e aliviando sua exaustão. Se Einstein tocava música para descansar, mas Adolphe está ocupado trabalhando com música para ganhar a vida, Adolphe faz física durante o sono? ”(Ehrlich, 2015, p. 21). Talvez a questão seja a pressão e os hábitos de fluxos de trabalho e condições específicos que alteram esses processos criativos de forma a prejudicar a saúde em geral. De fato, do ponto de vista psicológico, vemos depressão e ansiedade relacionadas a problemas de auto-realização e valor geralmente dentro das rotinas da indústria e da própria sociedade em contexto.



Resultados e Guias


Descobrimos que a falta de apoio da indústria musical, a imprevisibilidade e suas difíceis transformações estão afetando com frequência o bem-estar e o fluxo de trabalho dos produtores modernos. As estatísticas mostram taxas enormes de problemas de saúde mental e insegurança profissional. Artistas se sentem vulneráveis por críticas de trabalho integrados com sua identidade. É possível considerar que, na verdade, o problema não está em fazer música em si, mas nas relações colaborativas, entender o que envolve o processo, ganhar a vida com ele, estar em um local de trabalho doente e ser aceito socialmente.


Também poderíamos sugerir que talvez as indústrias não ofereçam programas de indução suficientes e suporte aos profissionais de orientação. A melhor forma de prevenção é educar os indivíduos em um workflow mais saudável e eficiente. Todas as promoções de cultura de bem-estar positivo, como preparo físico, prevenção de lesões e manutenção psicológica são bem-vindas, bem como rotinas de avaliação de risco de segurança. Informações em geral sobre o processo criativo moderno e sobre como a indústria funciona são essenciais para os produtores se entenderem melhor e melhorarem sua qualidade de vida.


Os hábitos mais importantes que precisam mudar em estúdio relacionados ao cuidado do ouvido são a necessidade de pausas, a conscientização do monitoramento dos níveis de áudio e o adequado tratamento acústico. Para o fluxo de trabalho, Sutton sugere em seu tutorial em vídeo uma mentalidade de solução de problemas, usando modelos com presets de roteamento e efeitos, preparação para gravar sessões, confiar em seu instinto, tomando decisões que servem a música, planejar estrutura usando marcadores, não pensar demais nas coisas, deixando para o final para levar a mixagem ao próximo nível em termos de efeitos e automação, mas também saber quando sua faixa estiver concluída (2016). Para promover a saúde da criatividade, Ehrlich sugere uma boa dieta, corrida, sono e sexo “, embora presumivelmente não ao mesmo tempo” (2015, p14).



Discussão


A empatia com o processo de fazer música e a arte pode se perder como conseqüência da frustração com a indústria de não se sentir bem-sucedido e, eventualmente, então, começar a ver o processo criativo como algo mecânico e desestimulante. De fato, nos relatórios de estudantes de áudio desta pesquisa, vemos uma distância considerável entre o tempo em que os indivíduos relataram ouvir música de forma recreativa e crítica no estúdio (3 horas vs 21 horas por semana em média). Do ponto de vista de que ouvir novos estilos musicais e interagir recreativamente com a arte pode ser uma fonte de inspiração, isso também pode causar sentimentos de monotonia e preconceito na inovação.


Reconhecendo que “... o bem-estar é afetado pelas experiências de onde vivemos, o que fazemos, nossos níveis de saúde, nossos relacionamentos, nossa segurança financeira, educação e habilidades, e a qualidade do ambiente natural” (Rooke, 2015, p3), que somente nas grandes cidades há alguma política econômica explícita e plano estratégico no campo das indústrias criativas, como Nova York e Londres (Evans, 2009), e observando a imagem abaixo que nos dá uma ideia da situação econômica das indústrias criativas em cada continente, podemos supor que, em lugares subdesenvolvidos do mundo e entre pessoas com menos acesso à educação, as taxas estatísticas sobre depressão e outros problemas de saúde poderiam ser muito maiores do que aquelas mostradas por pesquisas feitas apenas no Reino Unido.



Em última análise, isso reflete que a educação e a economia social estão ligadas e têm um papel crucial na obtenção de melhor fluxo de trabalho, hábitos mais saudáveis dentro da indústria e menos frustração em indivíduos que poderiam levar a problemas médicos. A tecnologia digital torna urgente que os países subdesenvolvidos deem novos passos em direção a essa realidade nas indústrias criativas. Hoje em dia podemos ver “... incompreendido amadorismo comumente associado com práticas de gravação contemporâneas” (Walzer, 2017, p3), e “… só porque os artistas de hoje têm acesso a pequenas interfaces de áudio, tablets e laptops e microfones USB, não implicam que saibam como usar essas ferramentas” (Walzer, 2017, p. 4). Por outro lado, só porque as pessoas nesta indústria adoram fazer música em si, isso não significa que elas sejam gratuitas, e profissionais qualificados devem ser valorizados. (Gross e Musgrave, 2017).



Conclusão e Pesquisa Futura


É importante que todos os produtores musicais e profissionais da área percebam como os tópicos aqui estudados estão constantemente interligados. Percebe-se que um sempre retorna para outro em um ciclo sem fim. A rotina diária e a cultura da indústria da música interferem diretamente na saúde de seus funcionários e a melhoria do bem-estar dessas pessoas pode tornar o fluxo de trabalho mais eficaz. Ter um fluxo de trabalho eficiente é capaz de reduzir frustrações e distúrbios psicológicos, assim como melhorar a qualidade de vida desse nicho ajudaria a desenvolver a indústria como um todo. Precisamos avançar em tais pesquisas com maior investimento, assuntos mais amplos de pesquisa e entrevistas, abordagens científicas avançadas e aplicar o conhecimento adquirido nos círculos acadêmicos e profissionais com mais frequência.


Numa perspectiva mais ampla, por boas condições de trabalho e, portanto, melhoria do fluxo de trabalho, é importante priorizar “o valor de manter uma compreensão mais estreita e estratégica das indústrias criativas do que as mais amplas...” (Cunningham, 2002, p10). Quando se trata de profissionais criativos, Walzer diz que “… artistas independentes e produtores devem reconhecer essas realidades e abraçar as oportunidades de crescimento e reinvenção que surgem devido a mudanças na indústria de áudio” (Walzer, 2017, p. 4).


A falta de pesquisa interdisciplinar de fluxo de trabalho escondeu por algum tempo um entendimento comum das muitas perspectivas diferentes na produção musical moderna para aumentar a eficiência nas indústrias criativas. “O valor, a avaliação e a medição do bem-estar são questões que continuam sem solução. Permanece um forte argumento para o desenvolvimento de abordagens de pesquisa que permitam aos pesquisadores serem capazes de fazer julgamentos comparativos entre esses registros aparentemente incomensuráveis. ”(Rooke, 2015, p. 5)


Pothoulaki (2008) nota que “Pesquisas sobre a relação entre música, saúde e bem-estar exigem abordagens inovadoras de todo o espectro acadêmico, incluindo artes e humanidades, bem como ciências sociais e naturais (What is music, health and wellbeing and why is it important? (citado em MacDonald, 2012), e “ De engenheiros empenhados em desenvolver novas tecnologia para ajudar pessoas com deficiências físicas a explorar sua criatividade, a graduados em música que procuram usar suas habilidades e treinamento dentro de um contexto musical comunitário ... ”(MacDonald, Kreutz e Mitchell, 2012, p. 3).


É necessário que, na educação da produção musical, as instituições ofereçam experiência prática dentro de um contexto do mundo real, dando um novo tipo de suporte acadêmico, considerando o aspecto evolutivo da indústria moderna e o perfil dos produtores musicais contemporâneos (Draper, 2008).



Notas e Reconhecimentos


1- A pesquisa apresentada foi realizada na Universidade de Westminster anonimamente com 14 alunos do curso de mestrado em Produção de Áudio. Indivíduos têm idade média de 26 anos no ponto e se consideram profissionais.


2- Este artigo foi apoiado com mentoria expressiva e insights em diversos aspectos dos professores seniores Matthew Gooderson e Sally-Anne Gross, da Universidade de Westminster.


3- Confirmo que entendo o que é plágio e li e entendi a seção sobre Ofensas de Avaliação na Informação Essencial para Estudantes. O trabalho que submeto é inteiramente meu (a menos que seja autorizado o trabalho em grupo). Qualquer trabalho de outros autores é devidamente referenciado e reconhecido.


Questionário da Pesquisa


Marque as tarefas que você faz profissionalmente: Composição, Instrumentista, Cantor, DJ, Beatmaker, Pesquisador, Professor, Produtor Musical, Designer de Som, Gravador, Mixer, Engenheiro Master, Editor / Distribuidor, Designer Gráfico, Fotógrafo, Cineasta.


Quantas horas você gasta ouvindo músicas recreativamente por semana?


Quantas horas você gasta em audição críticas por semana?


Você sabe que nível médio você costuma monitorar o áudio no estúdio? O que seria aquilo?


Você já fez uma audiometria?


Você costuma tomar algum tipo de droga enquanto produz?


Você faz pausas ao produzir? Com que frequência e por quanto tempo?


Você se sente pressionado pela sua família como artista? Você se sente pressionado pela

sociedade como artista? Por quê?


Você se sente bem? Você já alcançou seus objetivos? Se não, você já se sentiu desapontado com isso?


Qual é a situação que você sente mais criativo? E o que você geralmente sente para ter um bloqueio criativo?


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